Questo primo articolo del 2026 dedicato alle Donne nell'Arte del Novecento tratterà di un'artista straordinaria nella sua incredibile potenza espressiva, Paula Rego. L'opera figurativa senza compromessi di Paula Rego costringe gli spettatori a un confronto diretto con le relazioni umane e le dinamiche di potere sociale, sessuale ed emotivo che spesso le definiscono. Utilizzando strategie di parodia, teatralità e narrazione, le scene domestiche formalmente complesse e psicologicamente cariche della Rego, possono essere tanto tenere quanto angoscianti, raccontano le esperienze delle donne in un mondo modellato dal conflitto, ma anche dal grottesco e da un'ironia a volte inquietante a volte birichina. Ispirata da grandi artisti come Francisco Goya e Honoré Daumier, contemporanea di artisti inglesi come Francis Bacon e Lucian Freud, che hanno rimportato al centro dell'arte l'uomo e i suoi conflitti interiori, la Rego trova una espressione artistica personale fatta di donne forti che sbattono in faccia allo spettatore una realtà angosciate ed attuale.
In Portogallo le è stato dedicato un museo, Casa das Histórias Paula Rego, a Cascais vicino a Lisbona. Progettata dall'architetto Eduardo Souto de Moura, utilizzando l'architettura storica della regione, in particolare il vicino Palazzo di Sintra, in modo contemporaneo, raccoglie una parte rilevante della sua creazione grafica, oltre ad alcune opere del marito, Victor Willing, artista e critico d'arte.
Rego è nata il 26 gennaio 1935 a Lisbona, in Portogallo. Suo padre era un ingegnere elettrico che lavorava per la Marconi Company, antifascista convinto. La famiglia fu divisa nel 1936 quando suo padre fu trasferito per lavoro nel Regno Unito. I genitori di Rego la lasciarono in Portogallo alle cure di sua nonna fino al 1939. La nonna di Rego diventò una figura significativa della sua vita, molte delle storie popolari tradizionali che le raccontò trovarono poi strada nella sua opera d'arte.
La famiglia di Rego era anglofila, così Rego venne iscritta all'unica scuola di lingua inglese nel distretto di Lisbona, la Scuola di San Giuliano a Carcavelos, che frequentò dal 1945 al 1951. Il padre era particolarmente ostile alla religione cattolica e la fece studiare presso la una scuola di fede anglicana. Questo conflitto creò una specie di spaccatura nella ricezione della religione della bambina che si descriveva come una "specie di Cattolica" creando un senso di colpa e una convinzione molto forte che il Diavolo fosse reale.
La Rego frequentò la Slade Scholl dal 1952 al 1956. Alla Slade, Rego incontò il suo futuro marito, Victor Willing, anche lui studente. Nel 1957, Rego e Willing lasciarono Londra per vivere a Ericeira, in Portogallo. Si sposarono nel 1959 in seguito al divorzio di Willing dalla sua prima moglie, Hazel Whittington. Tre anni dopo, il padre di Rego acquistò alla coppia una casa a Londra, in Albert Street a Camden Town, e Paula Rego si divise tra Gran Bretagna e il Portogallo.
Sebbene la Rego fosse ancora una studentessa fu incaricata da suo padre di produrre una serie di murales su larga scala per decorare la mensa della sua fabbrica elettrica nel 1954. La sua carriera artistica si avviò effettivamente nel 1962, quando iniziò a esporre con The London Group, organizzazione di artisti che aveva tra i suoi membri David Hockney e Frank Auerbach. Nel 1965, venne stata selezionata per prendere parte a una mostra collettiva, Six Artists, presso l'Institute of Contemporary Arts, ICA, a Londra.
Nel 1966 il padre della Rego morì e Willing rilevò l'attività di famiglia nonostante fosse affetto da sclerosi multipla. La società fallì nel 1974 durante la rivoluzione dei garofani che rovesciò la dittatura di destra dell'Estado Novo del paese, quando la produzione fu rilevata dalle forze rivoluzionarie, anche se la famiglia Rego era stata sostenitrice della sinistra politica. Di conseguenza, Rego, Willing e i loro figli si trasferirono definitivamente a Londra e vi trascorsero la maggior parte del tempo fino alla morte di Willing nel 1988.
Sempre nel 1966 tenne la sua prima mostra personale alla Sociedade Nacional de Belas Artes (SNBA) a Lisbona. Fu anche rappresentante portoghese alla Biennale d'Arte di San Paolo del 1969. Tra il 1971 e il 1978 tenne sette mostre personali in Portogallo, a Lisbona e ad Oporto, e poi una serie di mostre personali in Gran Bretagna, tra cui alla AIR Gallery di Londra nel 1981, gli Arnolfini a Bristol nel 1983 e l'Edward Totah Gallery di Londra nel 1984, 1985 e 1987. Nel 1988, Paula Rego fu oggetto di una retrospettiva alla Calouste Gulbenkian Foundation di Lisbona e alla Serpentine Gallery di Londra. Ciò la portò a essere invitata a diventare la prima artista associata alla National Gallery di Londra nel 1990, in quella che fu la prima di una serie di progetti di artisti in residenza organizzati dalla galleria.
Successivamente una serie di dipinti e stampe sul tema delle filastrocche, portati in tour per la Gran Bretagna e altrove dall'Arts Council of Great Britain e dal British Council dal 1991 al 1996. La seconda era una serie di dipinti su larga scala ispirati ai dipinti di Carlo Crivelli nella Galleria Nazionale. L'opera d'arte di Rego è esposta in molte istituzioni pubbliche e private in tutto il mondo. L'artista ha 43 opere nella collezione del British Council, dieci opere nella collezione dell'Arts Council of England e 46 opere alla Tate Gallery di Londra ed è attualmente rappresentato dalla Marlborough Fine Art.
Nei suoi primi lavori, come "Always at Your Excellency's Service", dipinto nel 1961, Rego fu influenzata dal surrealismo, e in particolare dall'opera di Joan Miró. Questo traspare non solo dal tipo di immagini utilizzate, ma anche dal stile impiegato, che si basa sull'idea surrealista del disegno automatico, in cui l'artista tenta di liberare la mente cosciente dal processo di creazione, per consentire all'inconscio di dirigere la creazione di un'immagine. A volte questi dipinti quasi sfiorano l'astrazione; tuttavia, come esemplificato da "Salazar Vomito nella Patria", anche quando le sue opere si spostarono verso l'astrazione, l'elemento narrativo rimane. Paula Rego era una prolifica pittrice e incisore che ha realizzato negli anni giovanili anche lavori di collage. Le sue note rappresentazioni di racconti popolari, fiabe e immagini di giovani ragazze, realizzate in gran parte dal 1990, mettono in risalto metodi di pittura e incisione in contrasto con lo stile più libero dei suoi dipinti precedenti.
Ci sono due ragioni principali per cui Rego adottò uno stile semi-astratto negli anni '60. In primo luogo, all'epoca l'astrazione dominava nei circoli artistici d'avanguardia, che aveva messo l'arte figurativa sulla difensiva. Ma Rego stava anche reagendo alla sua formazione presso la Slade School of Art, dove era stata posta una forte enfasi sul disegno anatomico di figure. Rego rinunciò a lavorare con il collage alla fine degli anni '70 e nei primi anni '90 iniziò a utilizzare i pastelli. Forte influenza del lavoro "nero" di Goya. Un'artista interessata a rappresentare il contesto politico e sociale degli anni che viveva, la sua contemporaneità, la violenza delle sue esperienze personali. Un modo di rappresentare la realtà, molto espressivo e forte. Un'umanità mostrata in tutta la sua brutale verità.
Tra le opere più importanti realizzate a pastello ci sono la sua serie "Dog Women", in cui le donne sono mostrate sedute, accovacciate, comportandosi come se fossero cani. Questa antitesi di ciò che è considerato il corretto comportamento femminile e in altre sue opere in cui sembra esserci la minaccia della violenza sulle donne o la sua manifestazione, hanno fatto sì che Rego fosse associata al femminismo. Ha riconosciuto di aver letto in giovane età "Il secondo sesso" di Simone de Beauvoir, un testo femminista chiave, e che le ha fatto una profonda impressione.
Le sue opere sembrano anche essere in sintonia con l'interesse per le critiche freudiane mostrate dagli scrittori femministi sull'arte negli anni '90, come Griselda Pollock, con opere come "Girl Lifting up Skirt to a Dog" del 1986 e "Two Girls and a Dog" del 1987 sembra avere inquietanti sfumature sessuali, anche se l'artista contesta i critici che leggono troppi contenuti sessuali nel suo lavoro. Secondo Fiona Bradley la rappresentazione di Rego delle donne come esseri poco femminili, animalistici o brutali è che ciò riflette la realtà fisica delle donne come esseri umani nel mondo fisico, piuttosto che il tipo femminile idealizzato nelle menti degli uomini. In alcune interviste la Rego spiega invece un punto di vista diverso, quasi divertito e goliardico nelle mosse dei personaggi che si muovono nei suoi dipinti, un sottile simbolismo familiare e personale che racconta la sua esperienza vissuta.
Paula Rego trascorse gran parte della sua carriera in difesa dei diritti delle donne e sui diritti di aborto. Criticò il movimento anti-abortista, usando il tema dell'aborto come punto focale in gran parte della sua arte. Rego si oppose alla criminalizzazione dell'aborto e affermò che il movimento anti-aborto “criminalizza le donne” e in alcuni casi porterà le donne a essere costrette a trovare “soluzioni di ripiego” potenzialmente mortali. Affermò che la questione riguarda in modo sproporzionato le donne povere, mentre per i ricchi è più facile trovare un modo sicuro per abortire (indipendentemente dalla legge) a causa della possibilità di viaggiare all'estero, come in Spagna o in Olanda, per eseguire l'operazione.
Paula Rego creò una serie d'arte che documentava gli aborti illegali in risposta al referendum del Portogallo sull'aborto del 1998. Il tema dell'aborto, in cui il suo lavoro fa sentire e comprendere tutta la solitudine di donna costretta ad abortire clandestinamente. In esse possiamo contemplare donne emarginate che abortiscono in luoghi oscuri. I loro sguardi affrontano il rischio, scommettendo tutto e osando, superando la paura; Queste figure sono in un certo senso vittime della legge che non permetteva loro di abortire in corrette condizioni sanitarie e morali. A proposito, su questo argomento, una delle sue opere migliori è il Trittico dell'aborto, dipinto nel 1998.
In Swallows The Poison Apple, Paula Rego rivede la storia di Biancaneve per esporre il valore incerto della giovinezza. Vestita con i tradizionali abiti Disney, questa Biancaneve non è una giovane principessa, ma una donna di mezza età. Nell'immagine, pochi istanti dopo aver mangiato la mela avvelenata, giace distesa tra i mobili capovolti, suggerendo una morte dolorosa e violenta, stringendo le gonne come se si aggrappasse a qualcosa che scivola via. Il suo corpo giace tra una coperta ornata di fiori primaverili e uno sfondo sinistro di rosso e nero. Rego illustra il conflitto della realtà che invade i miti socialmente imposti del valore femminile, interpretando l'invecchiamento come una violazione sia fisica che psicologica.
Attingendo dai suoi ricordi d'infanzia, il lavoro di Paula Rego illustra il folklore in cui la fiaba e l'orrore convergono per ritrarre l'esperienza femminile. Ricordando le visite dell'infanzia al cinema con suo padre, la serie Biancaneve di Rego si appropria della storia Disney con inquietanti colpi di scena immaginari e autobiografici. In Biancaneve che gioca con i trofei di suo padre, Rego usa l'allegoria della vanità femminile per sostenere una politica familiare. L'eroina, raffigurata con un abito bianco che simboleggia la verginità e l'innocenza, sembra ironicamente consapevole della propria sessualità. Seduta come una donna con le gambe aperte, prende tra le ginocchia la testa di un giovane daino, rappresentando il risveglio sessuale. Sullo sfondo, la sua matrigna si inginocchia come strega anziana, guardando con disprezzo e invidia.
Molte su opere si riferiscono, in maniera spesso sottintesa, alla malattia del marito. Spesso rappresentava donne o bambine intente a prendersi cura di un cane chiaramente bisognoso aiuto. Nelle opere si intuiscono i sentimenti contrastanti che provava verso una situazione difficile. Provava grande amore per il marito ma anche risentimento verso una malattia che lo stava distruggendo, costringendolo infermo a letto, volendo comunque sempre prendersi cura di lui. Il cane rappresentato ha un'immagine spesso ambigua, riceve aiuto ma a volte morde la mano che lo cura.
Le immagini molto forti, nei tratti marcati e i colori quasi puri, sono intrise anche di un certo umorismo, caratteristica della personalità della Rego, a cui piaceva spiazzare lo spettatore, e prendendosi gioco di lui. Nel dipinto "La danza" la Rego rappresenta vari momento della vita di una donna. Si possono subito riconoscere le persone più importanti della sua vita, il marito, la madre e sua nonna. Letto da sinistra verso destra si vede la protagonista del quadro, una donna sola più grande di tutte le altre. Il dipinto rappresenta la forza della donna che, nonostante la perdita del marito e il conseguente lutto, riesce a stare in piedi da sola, indipendente e forte.
Nel 2010 viene nominata Dame dell'Impero Britannico (Dame Commander of the Order of the British Empire). Nel 2011 viene inaugurata la "Casa das Histórias Paula Rego", un museo a Cascais (vicino Lisbona) che ospita una vasta collezione delle sue opere. Muore a Londra nel 2022.
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